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摄影的本质是一种纪念
摄影师（A）/时晓凡
Q：你是怎么开始接触摄影，并成为一位职业摄影师的？
A：我在东南大学自动化工程系毕业后来北京发展，一个偶然的机会开始给一家外国人创办的纯英文杂志《Beijing Eyes》做摄影师，这家杂志是《Time Out Beijing》的前身,有点像精品城市指南，总是报道一些奇奇怪怪很有趣的事物。通过这份工作，我接触、拍摄了很多地下摇滚乐队，这些都为我自己日后的摄影创作积累了一些资源。
我算是中国最早有个人网站的摄影师，在90年代我已经开始经营自己的个网，而且一直都是纯英文模式。国外的机构和平台他们想要找中国摄影师合作，他们只能搜索到我。所以像美国的《新闻周刊》、英国的《每日快报》都会不定期找我约稿。按照当时的生活开销，每次几百美金的稿费确实不菲。那时我就觉得，有幸能成为一位职业摄影师，是非常幸福的事。
时晓凡摄影作品
Q：你是如何去找寻自己创作风格的？
A：说实话，我们这代人的教育里没有什么视觉教育。我小时候家里的挂历都是些非常传统的明清山水画，真正的视觉启蒙是在大学时代。那时总爱赶时髦，去淘那些当“洋垃圾”进口的音乐卡带封面都是些酷酷的摇滚音乐人。所以在摄影上，我的启蒙不是安塞尔.亚当斯、罗伯特.卡帕。我们那个年代“酷”是很重要的标准，这就是我们的态度，一定要和主流反着走。时尚摄影本身是最接近这种态度的，自然风格也是这样。
《似曾相识》，时晓凡
Q：直观上你早期的视觉语言非常直接，而后的创作包括《似曾相识》、《La Habana in Waiting》 视觉风格有明显变化，在摄影创作上有哪些观念的转变影响了你？
A：以前我很在意作品的技术处理是否完美，但每次展览的时候，总会有人问我：你是怎么拍出来的？这个技术是怎么处理的？这些问题让我很不舒服，因为我觉得作品的主题被忽视了。我开始感受到“技术是个障碍”，它有时候会阻碍作品与人之间的交流和艺术家的自我表达，让人忽视你真正想说的。
《哈瓦那》， 时晓凡
Q：为什么选择在事业发展的高峰期出国留学？在美国的八年对给你带来了哪些影响和转变？
A：09年我太太去纽约帕森斯设计学院留学，我也参与了纽约视觉艺术学院一个为期一年的学术交流项目。98年大学毕业到09年出国，这十年我在摄影上的发展非常顺利，那时我已经给很多时尚大牌掌机，包括与迪奥合作拍摄了《玻璃箱里陌生人》。但我觉得自己其实一直是在消费大学时的知识储备，包括听的音乐，看的书都没有太多变化，所以那个时间点我需要去海外沉淀，需要摄入新的知识。
时晓凡摄影作品
由于我出国前已经有足够的经济积累所以在纽约的日子我过得清闲，每天可以看书、逛画廊、买画册、听唱片，并且我开始重新思考摄影不同于其他艺术的本质。
Q：在纽约那些年的探索，关于摄影的本质你得出的结论是什么？
A：我很喜欢罗兰·巴特的一句话，摄影就是“曾经存在过”。摄影是不同于绘画或者其它一切艺术形式的媒介，它是独一无二的。比如我画一颗树，我今天完成和明天完成差别不大；但是摄影就不同了，我晚一天拍叶子可能就落光了。哲学上它是一种“此时此刻”的概念。在拍摄的那一刻，这张照片就被赋予了时间和空间的维度。
但是摄影作为一门艺术在中国的存在感不高，摄影对于大部分中国人的意义还是“记忆和纪念”，就像我们家庭相册里的全家福、旅行中的风景照。
时晓凡摄影作品
Q：促使拍照的动机是什么？是记忆吗？
A：“情感就是记忆，想象等于回忆。我发现我们拍照时的动机与映射现实毫无关系，我们仅仅是在现实中寻找一些似曾相识的影像。这让我拿起相机不断前行，像是一个幽灵寻找她不可回到的前身，期盼着在某个时刻、某个地点、和记忆深处的某个影像再次重逢。”我在阐述里写的这段文字，可以作为这个问题的答案。每个人的记忆都承载着一个独特的自我，拍照就是寻找记忆的过程，因为我们不会有兴趣去拍摄记忆中没有的东西。所有的视觉艺术都是在与死亡对抗，与正在消退的记忆对抗。
《似曾相识》，时晓凡
Q：你一直都是用导演摄影（Stage Photography）的方式拍摄吗？
A：我一直都是用导演摄影创作，通常都是按电影剧组创作的规格，你看到照片里所有的物件、灯光的设置，都不是随意的，都是我精心设计过的。我觉得每个摄影师的“词汇量”是不同的，摄影师都是在用自己所拥有的词汇量拍照。我比较幸运，一直都是和中国最顶尖的制片团队合作，能够拿到非常充裕的经费去创作，能够允许我像拍电影一样去拍照。
《哈瓦那》， 时晓凡
Q：你的作品风格强烈，给人的直观印象是充满情绪的叙事和戏剧化的色彩，你是怎么形成自己标志性的风格的？
A：我觉得一位成功的商业摄影师，要经历几个阶段的成长。第一个阶段是要有国际视野，你得知道什么是好的。第二个阶段是你要形成自成一派的风格，不管是在技术上、还是在主题上。在这个阶段我们可以寻找自己创作的灵感, 比如爱德华.霍普（Edward Hopper）的绘画给了我不少启发。第三个阶段，我觉得是最难的，只有艺术家才能干，就是要有personal statement（个人阐述）。即使是拍商业广告，也要有摄影师的个人阐述，能到第三个层次的摄影师都是凤毛麟角。说白了必须得是以做艺术创作的方式来拍商业摄影，才能不断强化、体系化自己的风格。
Q：有不少职业摄影师都在尝试艺术创作， 但仍然难以脱离商业气息，你怎么看待这种状态？
A：我觉得摄影师在做艺术创作的时候要跨过两个坎。第一个坎：认为艺术只是一个idea，是一个创意项目，把这个创意完成就是创作了；第二个坎：太在意技术是否精湛完美，被“形式主义”束缚想法。艺术还是应该更多元化，应该关注“我是谁”，而不是“他们是谁”。与观众有关的线索才是观众希望看到的，也是作品里能产生共鸣的。
时晓凡摄影作品
Q：未来有什么新的创作计划？
A：我现在准备筹备拍一部故事片电影，正在勘景。我希望能多去尝试一些新的事物。
更多作品欣赏
摄影的本质是一种纪念
时间：2020-02-10 15:25:35
来源：新浪图片
作者：翟红刚
摄影师（A）/时晓凡
Q：你是怎么开始接触摄影，并成为一位职业摄影师的？
A：我在东南大学自动化工程系毕业后来北京发展，一个偶然的机会开始给一家外国人创办的纯英文杂志《Beijing Eyes》做摄影师，这家杂志是《Time Out Beijing》的前身,有点像精品城市指南，总是报道一些奇奇怪怪很有趣的事物。通过这份工作，我接触、拍摄了很多地下摇滚乐队，这些都为我自己日后的摄影创作积累了一些资源。
我算是中国最早有个人网站的摄影师，在90年代我已经开始经营自己的个网，而且一直都是纯英文模式。国外的机构和平台他们想要找中国摄影师合作，他们只能搜索到我。所以像美国的《新闻周刊》、英国的《每日快报》都会不定期找我约稿。按照当时的生活开销，每次几百美金的稿费确实不菲。那时我就觉得，有幸能成为一位职业摄影师，是非常幸福的事。
时晓凡摄影作品
Q：你是如何去找寻自己创作风格的？
A：说实话，我们这代人的教育里没有什么视觉教育。我小时候家里的挂历都是些非常传统的明清山水画，真正的视觉启蒙是在大学时代。那时总爱赶时髦，去淘那些当“洋垃圾”进口的音乐卡带封面都是些酷酷的摇滚音乐人。所以在摄影上，我的启蒙不是安塞尔.亚当斯、罗伯特.卡帕。我们那个年代“酷”是很重要的标准，这就是我们的态度，一定要和主流反着走。时尚摄影本身是最接近这种态度的，自然风格也是这样。
《似曾相识》，时晓凡
Q：直观上你早期的视觉语言非常直接，而后的创作包括《似曾相识》、《La Habana in Waiting》 视觉风格有明显变化，在摄影创作上有哪些观念的转变影响了你？
A：以前我很在意作品的技术处理是否完美，但每次展览的时候，总会有人问我：你是怎么拍出来的？这个技术是怎么处理的？这些问题让我很不舒服，因为我觉得作品的主题被忽视了。我开始感受到“技术是个障碍”，它有时候会阻碍作品与人之间的交流和艺术家的自我表达，让人忽视你真正想说的。
《哈瓦那》， 时晓凡
Q：为什么选择在事业发展的高峰期出国留学？在美国的八年对给你带来了哪些影响和转变？
A：09年我太太去纽约帕森斯设计学院留学，我也参与了纽约视觉艺术学院一个为期一年的学术交流项目。98年大学毕业到09年出国，这十年我在摄影上的发展非常顺利，那时我已经给很多时尚大牌掌机，包括与迪奥合作拍摄了《玻璃箱里陌生人》。但我觉得自己其实一直是在消费大学时的知识储备，包括听的音乐，看的书都没有太多变化，所以那个时间点我需要去海外沉淀，需要摄入新的知识。
时晓凡摄影作品
由于我出国前已经有足够的经济积累所以在纽约的日子我过得清闲，每天可以看书、逛画廊、买画册、听唱片，并且我开始重新思考摄影不同于其他艺术的本质。
Q：在纽约那些年的探索，关于摄影的本质你得出的结论是什么？
A：我很喜欢罗兰·巴特的一句话，摄影就是“曾经存在过”。摄影是不同于绘画或者其它一切艺术形式的媒介，它是独一无二的。比如我画一颗树，我今天完成和明天完成差别不大；但是摄影就不同了，我晚一天拍叶子可能就落光了。哲学上它是一种“此时此刻”的概念。在拍摄的那一刻，这张照片就被赋予了时间和空间的维度。
但是摄影作为一门艺术在中国的存在感不高，摄影对于大部分中国人的意义还是“记忆和纪念”，就像我们家庭相册里的全家福、旅行中的风景照。
时晓凡摄影作品
Q：促使拍照的动机是什么？是记忆吗？
A：“情感就是记忆，想象等于回忆。我发现我们拍照时的动机与映射现实毫无关系，我们仅仅是在现实中寻找一些似曾相识的影像。这让我拿起相机不断前行，像是一个幽灵寻找她不可回到的前身，期盼着在某个时刻、某个地点、和记忆深处的某个影像再次重逢。”我在阐述里写的这段文字，可以作为这个问题的答案。每个人的记忆都承载着一个独特的自我，拍照就是寻找记忆的过程，因为我们不会有兴趣去拍摄记忆中没有的东西。所有的视觉艺术都是在与死亡对抗，与正在消退的记忆对抗。
《似曾相识》，时晓凡
Q：你一直都是用导演摄影（Stage Photography）的方式拍摄吗？
A：我一直都是用导演摄影创作，通常都是按电影剧组创作的规格，你看到照片里所有的物件、灯光的设置，都不是随意的，都是我精心设计过的。我觉得每个摄影师的“词汇量”是不同的，摄影师都是在用自己所拥有的词汇量拍照。我比较幸运，一直都是和中国最顶尖的制片团队合作，能够拿到非常充裕的经费去创作，能够允许我像拍电影一样去拍照。
《哈瓦那》， 时晓凡
Q：你的作品风格强烈，给人的直观印象是充满情绪的叙事和戏剧化的色彩，你是怎么形成自己标志性的风格的？
A：我觉得一位成功的商业摄影师，要经历几个阶段的成长。第一个阶段是要有国际视野，你得知道什么是好的。第二个阶段是你要形成自成一派的风格，不管是在技术上、还是在主题上。在这个阶段我们可以寻找自己创作的灵感, 比如爱德华.霍普（Edward Hopper）的绘画给了我不少启发。第三个阶段，我觉得是最难的，只有艺术家才能干，就是要有personal statement（个人阐述）。即使是拍商业广告，也要有摄影师的个人阐述，能到第三个层次的摄影师都是凤毛麟角。说白了必须得是以做艺术创作的方式来拍商业摄影，才能不断强化、体系化自己的风格。
Q：有不少职业摄影师都在尝试艺术创作， 但仍然难以脱离商业气息，你怎么看待这种状态？
A：我觉得摄影师在做艺术创作的时候要跨过两个坎。第一个坎：认为艺术只是一个idea，是一个创意项目，把这个创意完成就是创作了；第二个坎：太在意技术是否精湛完美，被“形式主义”束缚想法。艺术还是应该更多元化，应该关注“我是谁”，而不是“他们是谁”。与观众有关的线索才是观众希望看到的，也是作品里能产生共鸣的。
时晓凡摄影作品
Q：未来有什么新的创作计划？
A：我现在准备筹备拍一部故事片电影，正在勘景。我希望能多去尝试一些新的事物。
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责任编辑：王加超
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